De artiest krijgt veel lof voor zijn ambitieuze kijk op die eigenaardige aflevering van de Amerikaanse cinema, het verdwijnen van de stomme film om plaats te maken voor talkies. Het is een mooie inspanning en een uitdagend horloge, en het behandelt die meest artistieke vraag van alle artistieke vragen, namelijk: wat is het om een kunstenaar te zijn als het onmogelijk wordt om die kunst te beoefenen?
Voor de stomme filmacteurs aan het eind van de jaren '20 was die vraag een bijna constante zorg, met wisselende meningen over filosofische en praktische zorgen. De artiest behandelt nauwelijks een van de mijlpaalgebeurtenissen tijdens deze transformatie, maar kiest ervoor om zich te concentreren op de acuut persoonlijke invalshoek. De worstelingen die George Valentin gezichten in De artiest werden herhaald door veel van onze populairste filmsterren van die tijd.
De film verdoezelt de realiteit dat geluidsfilm al in 1923 werd geïntroduceerd, met vertoningen van een nieuwe gepatenteerde sound-on-film-technologie die met terugwerkende kracht werd toegepast op stomme films die meteen populair waren. De grote studio's spanden zich allemaal in om de technologie aan te schaffen en aan te passen voor het maken van grote studiofilms met geluid erin. De overgang was onvermijdelijk en sterren hadden een goede inleiding om te waarderen wat er zou komen.
Het is echter waar dat het kom-tot-Jezus-moment de release van Warner Brothers in 1927 was. De Jazz-zanger , in wat een criticus spottend een vergrote Vitaphone-opname van Al Jolson in een half dozijn nummers. Ondanks het mogelijk terechte oordeel dat de film volledig was gemaakt om te pronken met de technologie van geluidsfilm, was de film een enorme hit en deed het licht in de hoofden van bioscoopbezoekers aan - het geluid was realistischer, het zorgde voor meer bereik en het was interessanter. Er was geen sprake van zijn superioriteit - voor de meesten.
Sommigen vonden nog steeds dat geluidsfilm gauche was, het toppunt van plakkerigheid. Thomas Edison ergerde zich aan de vroege stijfheid van geluidsfilm, een mogelijkheid die werd gecreëerd door het beperkte bewegingsbereik van acteurs die binnen de arena van de microfoon moesten blijven. Een van de eerste bètaproducten ooit, geluidsfilm, had verschillende technologische nadelen: naast de beperkte beweging waren camera's in die tijd extreem luidruchtig en stoorden ze het fotograferen, waren er problemen om de mond van de acteurs te synchroniseren met de dialoog, en de de vraag naar scenarioschrijvers (een zin die je niet verwacht ooit te lezen) om meer te schrijven dan alleen tussentitels was groot. Edison raakte gefrustreerd door de onderneming en keerde terug naar het maken van stomme films met tijdperksterren als Clara Bow .
Ook Bow had een beetje last van een probleem dat veel stille sterren plaagde bij pogingen tot klankovergangen: een sterk accent. Zij en haar Brooklyn-twang maakten het tot talkies met weinig problemen, maar met zwaar geaccentueerde buitenlandse sterren zoals de Duitse Emil Jannings of Hongaarse actrice Vilma Banky vonden hun toespraak een grotere hindernis. Het Franse accent van George Valentin in zijn enkele regel aan het einde van De artiest brengt hulde aan dit idee. Een ander probleem dat de overgang van veel sterren naar de talkies verhinderde, was hun gebrek aan stemtraining - het was niet nodig geweest in hun eerdere carrières, en velen hadden geen overtuigende stemmen voor het publiek. De weinig bekende Norma Talmudge leed aan dit effect en nam ontslag uit films nadat haar eerste talkies niet succesvol waren. Toen ze na haar filmische vertrek om een handtekening werd gevraagd, zei ze tegen de fans: Ga weg, lieverds. Ik heb je niet meer nodig en jij mij niet.
De meeste acteurs capituleerden en maakten de overgang zo goed als ze konden, en het is eerlijk van de arist om te suggereren dat sommige van hen, zoals zijn fictieve heldin, de Ruby-Keeler-gemodelleerde Peppy Miller , deden het heel goed voor zichzelf. Lillian Gish , DW Griffiths lieveling van de stomme film, nam een decennium vrij om theater te doen en keerde terug naar film, waarbij hij lovende kritieken en een paar Oscar-nominaties oogstte. Joan Crawford , de eminente hoofdteef die de leiding had, maakte tot op hoge leeftijd een zeer succesvolle carrière in de geluidsfilm. Clara Bow, die het verlies van schattigheid in talkies, die ze haatte, afkeurde, gaf ook toe dat ze de vooruitgang niet kon tegenhouden en zich zo goed mogelijk aanpaste. Dat wil zeggen, niet erg, het ontwikkelen van een gestage verslaving aan kalmerende middelen en sterke drank die haar de rest van haar leven zou houden. Om eerlijk te zijn, dat was misschien niet zozeer het maken van geluidsfilm, maar het resultaat van het wakker worden met haar moeder die een mes op haar keel hield toen ze een kind was. Eek! Maar dat is een horrorverhaal voor een andere dag.
De artiest overdramatiseert echter de snelheid van de overgang naar geluidsfilm. Zoals hierboven vermeld, bleef Edison stomme films maken die het redelijk goed deden. Europa en Azië gingen respectievelijk iets later en veel later over - tot 1938 was nog een derde van de Japanse films stil. Salvador Dali en Luis Bunuel produceerde het baanbrekende Een Andalusische hond in 1929 als een bewust stomme film. En de Grote Weerstand van allemaal, Charlie Chaplin , gemaakt Moderne tijden in 1936 (!), de laatste Amerikaanse stomme film die op zichzelf zeer succesvol was en in zijn tijd zowel commercieel als kritisch populair was.
De film begon ironisch genoeg als een talkie, aangezien Chaplin een hekel had aan geluidsfilm, en het onderwerp gaat er schuin over. Chaplin schittert als een fabrieksarbeider die probeert de ongerechtigheden van moderne uitvindingen te overleven, waarbij hij zichzelf verloren voelt tussen de massaproductie en zinloos is voor het individu. De film is weliswaar een komedie, maar op die speciale manier weet Chaplin humor tot een deprimerend einde te brengen. In 1929 verklaarde Chaplin dat talkies de grote schoonheid van stilte verpesten. Ze verslaan de betekenis van het scherm. Zelfs Chaplin hield het niet eeuwig vol – in 1940 maakte hij zijn eerste geluidsfilm, De grote dictator, een van de eerste anti-Hitler kunstwerken.
Geluid was altijd bedoeld om deel uit te maken van film, en de afwezigheid ervan in de eerste drie decennia van zijn geschiedenis een aberratie vanwege de beperkingen van een technologie die in zijn jeugdige uitbundigheid over zichzelf struikelde. Dat wil niet zeggen dat deze overgang geen echte en soms verwoestende effecten had op het leven van mensen, en De artiest is een mooie, zij het simplistische, behandeling van die periode.
Hoewel het de moeite waard is om erop te wijzen dat de mens waarop onze hoofdrolspeler George Valentin lijkt te zijn gebaseerd, het redelijk goed deed in de eindtijd van de stomme film.
William Powell , hij van de stuursnor en het kleine terriërhondje hierboven, had een diepe en charmante stem die goed bij hem paste in talkies. Hij en actrice Myrna Loy waren een superstercombinatie, en hij sloeg het extreem groot met haar in De dunne man , van de ene op de andere dag A-lijst worden Dus, zie je - de vooruitgang was niet zo slecht voor iedereen. Vooral in dit specifieke geval Jerry Bruckheimer .
Natasha Simons was een minderjarige filmstudies die wenste dat ze net zo baller was als Joan Crawford. Ze blogt hier .
